Hoe de stralende schilderijen van Alma Thomas een nieuwe koers voor abstractie uitstippelden
In 1963 begon Alma Thomas om Henri Matisse op zijn kop te zetten. Twee jaar eerder, in 1961, woonde ze in het Museum of Modern Art in New York een show bij van Henri Matisse's gouaches uit de late carrière. Daar zag ze The Snail (1952-1953), waarin geknipte en geplakte vierkanten van kleurrijk papier in een spiraalachtige vorm zijn gerangschikt, abstract verwijzend naar een buikpotige zonder het ooit helemaal te laten zien.
Thomas ging aan de slag en herschepte de iconische Matisse-gouache met een twist. Haar versie, getiteld Watusi (Hard Edge), bevat eveneens een wirwar van rechthoeken, ruiten en vierkanten. Kijk echter goed en je realiseert je dat Thomas de compositie van Matisse 90 graden heeft gedraaid. Het medium is veranderd, van gouache naar acryl op canvas, en het onderwerp is waarschijnlijk ook veranderd. Afgaande op de titel van Thomas verwijst het werk niet langer naar een dier. Nu doet het misschien denken aan een dansstijl die populair was in de jaren '60 en wiens naam kwam van het Tutsi-volk in Afrika.
Er is vaak meer dan op het eerste gezicht lijkt in de kunst van Thomas, zoals Watusi (Hard Edge) suggereert. Het verschijnt naast Thomas' bekendste werken – haar stralende, kleurrijke abstracties – in een reizend overzicht gewijd aan de kunstenaar. De show is nu te zien in het Chrysler Museum of Art in Norfolk, Virginia, dat het samen met het Columbus Museum of Art in Ohio organiseerde. (Samengesteld door Jonathan Frederick Walz en Seth Freman, zal het volgend jaar ook naar de laatste instelling reizen, de Phillips Collection in Washington, DC, en het Frist Art Museum in Nashville.) De tentoonstelling biedt het bewijs dat de abstracties van Thomas waardevol zijn inzicht in wat het voor haar betekende om als zwarte vrouw een modus in te nemen die grotendeels door blanke mannen werd gedomineerd. Het legt ook voorheen onzichtbare delen van haar oeuvre bloot, waaronder haar marionetten en haar modeontwerpen.
Hieronder een blik op het leven en de kunst van Thomas.
Alma Thomas, winddansen met lentebloemen.
Het doel van Thomas was vaak om schoonheid te bereiken.
Gedurende haar hele carrière was Thomas duidelijk dat ze er altijd naar streefde om beelden te creëren die een lust voor het oog waren. "Door middel van kleur heb ik geprobeerd me te concentreren op schoonheid en geluk, in plaats van op de onmenselijkheid van de mens jegens de mens", zei ze ooit. Haar werken uit de jaren '60 en '70, gemaakt na haar pensionering als lerares, bevatten vaak oogverblindende reeksen van blauwe, rode, groene en paarse acrylstreken. Ze noemde deze streken 'Alma's strepen'. Meestal zijn er lege ruimtes ertussen waardoor het canvas naar buiten kan gluren. Soms zijn deze streken gerangschikt in verticale lijnen waardoor ze eruitzien als vallende bladeren of hangende bloemen; andere keren zijn ze samengesteld in concentrische cirkels. Om zo'n opmerkelijke stijl te verkrijgen, verdiepte ze zich in de kleurentheorieën van Bauhaus-kunstenaar Johannes Itten.
Deze oogverblindende schilderijen zinspeelden vaak op Thomas' eigen tuin, die overstroomde met bloemen. Haar schilderij Alma's Garden uit 1968–70 heeft vierkante vlakken van diepblauw en goudgeel die lijken op tesserae in een mozaïek. (Te midden van een golf van afstoting uit het Covid-tijdperk werd het eerder dit jaar controversieel verkocht door het Greenville County Museum of Art voor $ 2,8 miljoen, wat een nieuw veilingrecord voor Thomas opleverde.) de tijd dat het schilderij werd gemaakt, een moment waarop gevallen van anti-zwart geweld de krantenkoppen haalden en protesten in het hele land aanwakkerden. Terwijl ze haar lichtgevende schilderijen maakte in haar eigen huis in Washington, DC – niet in een speciale studio, maar in haar keuken – waren er praktisch protesten voor haar deur. Ze had in 1963 de Mars op Washington voor Banen en Vrijheid bijgewoond en er een beeld van geschilderd, maar voor het grootste deel deed haar werk weinig om de spanningen van die tijd en de strijd voor burgerrechten expliciet weer te geven.
Thomas was zich bewust van deze paradox, en ze maakte zelfs een vergelijking tussen zichzelf en Matisse, die tijdens de Tweede Wereldoorlog doorging met het schilderen van serene beelden van naakten. "Je denkt: 'Wat was je verdomme aan het doen, man?' Maar dat was ik', zei Thomas ooit. "Het was 1966, 1967, en ik was aan het schilderen – ik wist nog niet eens wat ik aan het doen was, ik was gewoon aan het schilderen – en de zwarte nationalisten zouden me vragen 'wat doet dat verdomme voor de race?'"
Thomas, van haar kant, hield niet van het label 'zwarte kunstenaar', en zei alleen: 'Ik ben een schilder. Ik ben een Amerikaan." Zoals curator Tiffany E. Barber het in de catalogus voor de huidige Thomas-enquête plaatst: "Ze probeerde haar werk een betekenis te geven die verder ging dan raciale en genderbeperkingen. Door dit te doen, daagde ze de singulariteit van ras uit.”
Alma Thomas met twee studenten aan de Howard University Art Gallery, 1928 of later.
Kunst was altijd een onderdeel van Thomas' leven geweest.
Velen zijn er vaak van uitgegaan dat Thomas vooral in de latere stadia van haar carrière kunstenaar werd, nadat ze in 1960 met pensioen ging als kunstleraar op de middelbare school na een ambtstermijn van 35 jaar. Hoewel ze haar beroemdste werken produceerde in de jaren nadat ze de Shaw Junior High School had verlaten, had Thomas er tot aan haar dood in 1978 altijd aan gewerkt om een fulltime kunstenaar te worden. Zoals Seth Freman, een van de curatoren van het onderzoek, in de catalogus schrijft: "Met elke trek van het penseel op het doek wortelde Thomas haar kunst in de fysieke orde der dingen, en ze zou alledaagse en artistieke zaken tot het einde bij elkaar houden. ”
Alma Woodsey Thomas werd in 1891 geboren in Columbus, Georgia. Haar familie was de zeldzame zwarte die in de middenklasse Rose Hill-buurt van de stad woonde. Op 15-jarige leeftijd verhuisden Thomas en haar familie, te midden van de voortdurende dreiging van racisme, naar Washington, DC, waar ze voor het eerst kunstlessen kon volgen. Ze vergeleek die lessen met een heiligdom en zei dat ze 'precies waren waar ik thuishoorde'. Ze ging later naar Howard University, waar ze werd overtuigd door de kunstenaar James V. Herring, de professor die de kunstafdeling van de instelling oprichtte, om haar hoofdvak van huishoudeconomie naar kunst te veranderen. Ze was de eerste vrouw die een graad in kunst behaalde bij Howard. Later, in de jaren '50, volgde ze masteropleidingen in de kunst aan de American University.
Howard bleef tot het einde een centrale rol in Thomas' leven spelen. In 1966 organiseerde de school een retrospectief van Thomas, waardoor ze nog meer bewondering kreeg van de levendige gemeenschap van de legendarische universiteit. En toen ze stierf, werd haar herdenkingsdienst gehouden in Howard. "Howard University bleef altijd en voor altijd in het centrum van haar universum", schrijft curator Rebecca VanDiver.
Alma Thomas, Snoopy ziet een zonsopgang, 1970.
Er is recentelijk een druk geweest om Thomas' bijdragen aan de kunstgeschiedenis te erkennen.
"Op 77-jarige leeftijd heeft ze de Whitney gehaald", las de kop van de New York Times voor een profiel van Thomas uit 1972. De gelegenheid was vreugdevol: Thomas had een solotentoonstelling in het Whitney Museum in New York, de eerste zwarte vrouw die dat deed. (Niet iedereen was echter blij – de Whitney kreeg te maken met beschuldigingen van activistische groepen zoals de Black Emergency Cultural Coalition dat het een select aantal zwarte artiesten symboliseerde om een gebrek aan vooruitgang achter de schermen te maskeren.) "Wie had ooit gedroomd dat iemand zoals zou ik de Whitney in New York halen?” zei Tomas.
Thomas wordt vaak beschouwd als een herontdekking, hoewel het moeilijk te zeggen is dat ze ooit helemaal weg is gegaan. Ze verscheen in de collage van wijlen kunstenaar Mary Beth Edelson Some Living Women Artists (1972), een afbeelding van het Laatste Avondmaal waarin vrouwelijke kunstenaars Jezus en zijn apostelen vervangen, en ze was verschenen in David C. Driskell's baanbrekende Los Angeles County Museum of Art enquête "Twee eeuwen zwarte Amerikaanse kunst." Ze wordt door generaties kunstenaars als een held beschouwd.
Toch lijdt het geen twijfel dat het werk van Thomas nu nationaal meer zichtbaarheid heeft dan ooit tevoren. In 2015 hingen de Obama's een schilderij van Thomas, Resurrection (1966) in de eetkamer van het Witte Huis. (Het werd in dat jaar aangekocht en is het eerste kunstwerk van een Afro-Amerikaanse vrouw dat in de White House Collection is opgenomen.) In 2016 organiseerden Skidmore College en het Studio Museum in Harlem een veelgeprezen Thomas-onderzoek. In 2019, toen het Museum of Modern Art zijn collectie hervulde, werd een schilderij van Thomas genesteld tussen enkele van de beroemdste werken van Matisse.
Alma Thomas, Red Azalea's Zingen en dansen Rock and Roll Music 1976.
Het grootste werk van Thomas is misschien wel een 3 meter lange abstractie.
Hoewel de werken van Thomas altijd opvallend zijn, zelfs op bescheiden schaal, had de kunstenaar een verlangen om groter te dromen. Vaak beschouwd als een lid van de Washington Color School, verlangde Thomas ernaar te werken zoals haar collega Sam Gilliam, wiens bevlekte doeken boven de kijker uittorenen en vaak sculpturale kwaliteiten aannamen. In haar laatste jaren verhinderde haar gezondheid haar dat te doen. "Ik zou [mijn] doeken groter willen maken, zoals die van Sam Gilliam," zei ze ooit, "maar mijn artritis is zo erg dat ik niet op mijn ladder kan komen."
Dat weerhield haar er echter niet van om het te proberen. In 1976 maakte ze haar meest ambitieuze werk, een 3 meter lang schilderij genaamd Red Azaleas Singing and Dancing Rock and Roll Music. (Het is nu eigendom van het Smithsonian American Art Museum, dat de diepste collecties van Thomas' schilderijen van welke instelling dan ook ter wereld bezit.) Dit schilderij is gemaakt met materialen die voor haar zijn gekocht door Gilliam, een kunstenaar die verschillende generaties jonger is dan zij. doeken, elk bekleed met roodoranje vormen. De gekleurde vormen zijn gerangschikt in gekartelde, boogvormige patronen, waardoor ze voor je ogen lijken te bewegen.
Toen het in 1976 debuteerde in de Martha Jackson Gallery in New York, waren de critici gevloerd. Thomas zelf was dat ook. "Zie je dat schilderij?" zei ze ooit over rode azalea's. “Kijk eens bewegen. Dat is energie en ik ben degene die het daar heeft gestopt. . . . Ik transformeer energie met deze oude ledematen van mij.”
