Stilgehouden.nl

Onder verwijzing naar pro-Israël banden, 26 kunstenaars die zich uit de Londense collectie hebben teruggetrokken

Onder verwijzing naar pro-Israël banden, 26 kunstenaars die zich uit de Londense collectie hebben teruggetrokken

Bron

Zesentwintig kunstenaars en culturele werkers die hebben geëxposeerd in of hebben samengewerkt met de Zabludowicz-collectie, hebben zich teruggetrokken uit het museum voor hedendaagse kunst en de projectruimten, daarbij verwijzend naar de banden met pro-Israëlische lobby en de Israëlische luchtmacht.

Vandaag, 26 juli, stuurden ze individueel ondertekende brieven gericht aan Zabludowicz Art Projects en Zabludowicz Art Trust, waarin ze hun beslissing om het werk voor de in Londen gevestigde collectie te "deauthoriseren", waaronder niet alleen kunstwerken, maar ook vertoningen, lezingen, workshops, curatoriële initiatieven, en andere bijdragen.

De groep achter de actie, Boycott Divest Zabludowicz (BDZ), werd in 2014 opgericht door een anonieme groep kunstenaars en activisten. Gemodelleerd naar bewegingen zoals Boycot, Desinvestering, Sancties (BDS) en de Palestijnse Campagne voor de Academische en Culturele Boycot van Israël (PACBI), dringt BDZ er bij de culturele sector op aan om instellingen die direct of indirect betrokken zijn bij Palestijnse onderdrukking te bekostigen en te desinvesteren.

“Het doel van deze collectieve actie is om de BDS-richtlijnen te gebruiken om te eisen dat de Zabludowicz Art Trust permanent afstand doet van, en volledig verbreekt, haar voortdurende medeplichtige betrekkingen met het beleid van apartheid en militaire bezetting van de Israëlische staat, en de Palestijnse rechten publiekelijk erkent”, zei hij. lid van BDZ.

Kunstenaars die deelnemen aan de actie zijn onder meer Dora Budor, die Anita Zabludowicz in 2017 tot haar favorieten noemde , Michelle Williams Gamaker , Harold Offeh , Amalia Pica en Jack Strange , wiens werken zich in de permanente collectie van het museum bevinden. De volledige lijst van uittredende artiesten omvat Sam Cottington, Benedict Drew, Olivia Erlanger, Cécile B. Evans, Jacob Farrell, Gery Georgieva, Anton Haugen, Stuart Home, Item Idem, Jasmine Johnson, Kelly Large, Scott Mason, Uriel Orlow, Rachel Pimm , Hardeep Pandhal, Aura Satz, Abri de Swardt, Ellen Mara de Wachter, Richard Whitby, Laura Yuile en Gary Zhexi Zhang.

Bekijk dit bericht op Instagram

Een bericht gedeeld door Michelle Williams Gamaker (@michellewilliamsgamaker)

Het hoofdkantoor is gevestigd in Londen met tentoonstellings- en verblijfsruimtes in New York City en Sarvisalo, Finland, de Zabludowicz-collectie werd in 2007 ingehuldigd door Anita Zabludowicz en haar man Poju, die de pro-Israëlische lobby BICOM (Britain Israel Communications and Research Center) oprichtten. Een rapport uit 2013 geschreven door onderzoekers van de Universiteit van Bath beschreef BICOM als "een ondoorzichtige organisatie die veel van haar werk verricht buiten de publieke controle en aansprakelijkheid" met als doel "de elite-opinie over Israël te cultiveren".

Het bedrijf, zo vervolgt het rapport, werd gefinancierd door het fortuin van Poju's vader, Shlomo Zabludowicz, een prominente Israëlische wapenhandelaar die "de afgelopen decennia wapens verkocht aan enkele van 's werelds meest repressieve regimes". Poju is voorzitter en CEO van zijn vaders investeringsmaatschappij Tamares Group, die een belang heeft in Knafaim, de uiteindelijke begunstigde van Maintenance Wings Limited Partnership. Het bedrijf levert onderhoudsdiensten voor militaire vliegtuigen aan de Israëlische luchtmacht.

De onderzoeksdocumentaireserie Dispatches onthulde in 2009 dat Poju Zabludowicz ook zakelijke belangen had in een winkelcentrum in Ma'ale Adumin, een illegale nederzetting op de Westelijke Jordaanoever.

De Zabludowicz Art Trust is dus “medeplichtig aan en reproduceert de door de Israëlische staat geleide apartheid, die de onderdrukking van Palestijnen normaliseert”, zei BDZ in een e-mail. "Het is deze medeplichtigheid die moet stoppen."

BDZ heeft de afgelopen jaren een aantal protestacties ondernomen tegen de Zabludowicz-collectie en heeft een petitie gelanceerd waarin wordt opgeroepen tot een boycot van het museum, die meer dan 600 handtekeningen heeft verzameld . Maar "het recente geweld eerder dit jaar heeft nieuwe aandacht getrokken voor het lopende project van de Israëlische staat van territoriale expansie en etnische dominantie", vertelde een lid van BDZ aan Hyperallergic.

Een escalatie van het conflict heeft dit voorjaar meer dan 200 levens geëist in Israël en de bezette gebieden, waarvan de meeste Palestijnen zijn omgekomen bij aanvallen van de Israëlische luchtmacht in de Gazastrook. Volgens de Human Rights Watch (HRW) is 80% van de bevolking van Gaza afhankelijk van humanitaire hulp , waarbij de Israëlische regering de toegang tot schoon water, medische zorg, onderwijs en andere hulpbronnen in de regio beperkt.

In reactie op een verzoek om commentaar verwees een woordvoerder van de Zabludowicz-collectie naar een openbare verklaring van Anita en Poju die op 21 mei op de website van het museum werd gepubliceerd. De verzamelaars zeiden dat ze het staakt-het-vuren tussen Israël en Palestina verwelkomden, een dag eerder aangekondigd, en spraken hun steun uit voor "een tweestatenoplossing die de rechten van Palestijnen en Israëli's garandeert om in vrede naast elkaar te leven en te werken."

Hoewel BDZ erkent dat "er veel onethische praktijken zijn binnen de kunstsector die moeten worden bestreden", vertelde een lid aan Hyperallergic, "is een significant verschil dat BDZ, net als BDS, een direct antwoord is op een oproep tot internationale solidariteit van Palestijnse mensen die leven in onder brute onderdrukking.”

“De boycot is niet in de eerste plaats een economische, hoewel er natuurlijk economische gevolgen zijn als je je werk terugtrekt of niet bij een galerie laat zien; het is ook een culturele boycot in de vorm van een staking”, vervolgde BDZ. “Beschuldigingen die al het geld als vuil bestempelen, missen het punt dat er een keuze is als het gaat om de vage status van artistieke arbeid. De implicaties van deze keuzes gaan verder dan het uitsluiten van de loonverhouding, en dat is precies wat kunstenaars en cultuurwerkers kunnen doen. BDZ hoopt dat alle acties die voortkomen uit deze specifieke campagne niet uniek zijn en hier niet eindigen, hoe netjes dat ook zou kunnen zijn."

Gregory

Shahzia Sikander tekent de onmetelijkheid van vrouwen  Er is een soort glyph – een soort figuur die, hoewel geworteld in het leven, is veranderd in een abstracte vorm – in de linkerbovenhoek van het stuk "Epistrophe" (2021), een stuk dat is samengesteld uit vloeibare gouache en inkttekeningen op calqueerpapier, dat voelt voor mij als een kaartsleutel voor de hele tentoonstelling van Shahzia Sikander in de Morgan Library and Museum. Het is een terugkerend motief in haar werk: een duidelijk vrouwelijke figuur zonder armen, een ruime boezem boven een samengeknepen taille en dan forse, gebogen heupen die taps toelopen naar de benen en wat bijna voeten zijn die hier een wirwar van verbonden ranken worden. Horizontaal georiënteerd zoals de figuur hier is, lijkt het bijna op een paar eierstokken. In "Epistrophe", dat eigenlijk een installatie is en het grootste werk in de tentoonstelling, maakt de kunstenaar zowel subtiel als krachtig duidelijk dat het hart van haar tentoonstelling, Shahzia Sikander: Extraordinary Realities , haar fascinatie is voor de manieren waarop vrouwen zoals gedacht en fantasierijke wezens kunnen onmetelijk zijn in hun krachten. Als ik aan dit thema denk, moet ik denken aan het werk van Elizabeth Catlett , Wangechi Mutu en Shoshana Weinberger, die allemaal de conventionele vrouwelijke vorm verfraaien en overdrijven, vervormen en verdraaien om hem ongecultiveerd, weerbarstig en grensoverschrijdend te maken. De show beslaat de eerste 15 jaar van Sikander's carrière en benadrukt haar werk binnen de traditie van miniatuur- of manuscriptschilderen die ze studeerde in Lahore, Pakistan (waar ze is geboren en getogen), ook voor mijn ogen behoort ze tot deze geneaologie. Ze waagt zich echter zelden aan beeldhouwkunst. De belangrijkste gereedschappen van Sikander zijn gouache, aquarel en inkt op papier. Ze kan weelderig zijn met haar spontaniteit zoals ze is in "Epistrophe", en ze kan rigoureus precies zijn zoals "Running on Empty" (2002) laat zien. In het latere stuk wordt een veelkleurig, doorschijnend silhouet van een geslachtsloze figuur gelegd over een werveling van mannelijke figuren en de avatars van hindoegoden, allemaal in een ingewikkeld mozaïekpatroon.  Shahzia Sikander, "Running on Empty" (2002) aquarel en inkjet op wasli-papier Ik waardeer echt de stukken waarin ze beide doet, zoals in "A Slight and Pleasing Dislocation" uit 2001, een onvoltooid paneel dat oorspronkelijk deel moest uitmaken van een 50-voet muurschildering die Sikander de opdracht had gekregen om te maken. De figuur is zonder hoofd en velen bewapend (mogelijk een soort Durga ) met de bovengenoemde getande voeten die herhaaldelijk verschijnen en verschillende wapens en gereedschappen die in de 13 handen worden vastgehouden. Dit is een versie van de vrouw die alles kan zijn en doen, de persoon die niet te overzien is. En in onze populaire cultuur wordt de onberekenbare persoon als gevaarlijk beschouwd, en we waarderen en verachten hem hiervoor. En vooral gekleurde mensen zijn onderhevig aan deze projectie. Volgens het bijschrift van de afbeelding leek dit cijfer na 9/11 bedreigend voor de opdrachtgevers en werd Sikander gevraagd het te wijzigen. Ze weigerde en gaf in plaats daarvan de commissie op. In haar werk en in haar eigen geleefde leven laat Sikander zien dat haar visie op vrouwen niet mag worden verboden of beperkt.  Shahzia Sikander, “A Slight and Pleasing Dislocation” (2001) acryl aan boord In Extraordinary Realities demonstreert Sikander een geweldige faciliteit door de traditie van miniatuurschilderkunst in andere culturele contexten te trekken. Het werk dat ze maakte tijdens een fellowship in Houston in het Museum of Fine Arts van 1995-1997, bijvoorbeeld "Eye-I-ing That Armorial Bearings" (1989-1997), laat zien hoe ze de culturele dynamiek en specifieke geschiedenissen die betrekking hebben op Afro-Amerikanen. In dit werk wordt het hoofd van kunstenaar Rick Lowe, oprichter van Project Row Houses in Houston, ondersteboven getoond samen met verschillende iconen en symbolen uit haar eigen tradities – de lezende geleerde en de durga. Ze mengt zich ook in het Grieks, zoals in de griffioen in de rechter benedenhoek. Het stuk voelt alsof ze een ander soort heraldiek probeert te ontwerpen – een die misschien het teken is van haar eigen specifieke huis.  Shahzia Sikander, "Eye-I-ing That Armorial Bearings" (1989-97) plantaardige kleur, droog pigment, waterverf en thee op wasli-papier; 22×14,7cm. (© Shahzia Sikander, met dank aan: de kunstenaar en Sean Kelly, New York) Deze show is ook een manier voor de Morgan Library and Museum om uit te breiden wat mij al een tijdje een beperkt tentoonstellingspalet leek. Ik heb de instelling gekend om meestal shows te organiseren zoals Guercino: Virtuoso Draftsman , zoals ze deden in oktober 2019, of Walt Whitman: Bard of Democracy , die in juni van datzelfde jaar werd opgezet. In de afgelopen twee jaar heeft de Morgan echter ook Betye Saar: Call and Response tentoongesteld en een aanstaande tentoonstelling van tekeningen van zwarte kunstenaars uit het Amerikaanse zuiden . Dit lijkt veelbelovend om de Morgan in het gesprek te brengen over de kwesties macht, geslacht, etniciteit, keuzevrijheid, publieke erkenning en diversiteit. Extraordinary Realities laat zien dat we inderdaad kunnen spelen met onze overgeërfde traditionele manieren van kijken wanneer we een kunstenaar vinden die ze elegant en krachtig kan transformeren met de gecultiveerde vaardigheid van haar handen. Shahzia Sikander: Extraordinary Realities loopt tot en met 26 september in de Morgan Library and Museum (225 Madison Avenue, Midtown, Manhattan). Deze tentoonstelling vond zijn oorsprong in het RISD Museum.

Shahzia Sikander tekent de onmetelijkheid van vrouwen Er is een soort glyph – een soort figuur die, hoewel geworteld in het leven, is veranderd in een abstracte vorm – in de linkerbovenhoek van het stuk "Epistrophe" (2021), een stuk dat is samengesteld uit vloeibare gouache en inkttekeningen op calqueerpapier, dat voelt voor mij als een kaartsleutel voor de hele tentoonstelling van Shahzia Sikander in de Morgan Library and Museum. Het is een terugkerend motief in haar werk: een duidelijk vrouwelijke figuur zonder armen, een ruime boezem boven een samengeknepen taille en dan forse, gebogen heupen die taps toelopen naar de benen en wat bijna voeten zijn die hier een wirwar van verbonden ranken worden. Horizontaal georiënteerd zoals de figuur hier is, lijkt het bijna op een paar eierstokken. In "Epistrophe", dat eigenlijk een installatie is en het grootste werk in de tentoonstelling, maakt de kunstenaar zowel subtiel als krachtig duidelijk dat het hart van haar tentoonstelling, Shahzia Sikander: Extraordinary Realities , haar fascinatie is voor de manieren waarop vrouwen zoals gedacht en fantasierijke wezens kunnen onmetelijk zijn in hun krachten. Als ik aan dit thema denk, moet ik denken aan het werk van Elizabeth Catlett , Wangechi Mutu en Shoshana Weinberger, die allemaal de conventionele vrouwelijke vorm verfraaien en overdrijven, vervormen en verdraaien om hem ongecultiveerd, weerbarstig en grensoverschrijdend te maken. De show beslaat de eerste 15 jaar van Sikander's carrière en benadrukt haar werk binnen de traditie van miniatuur- of manuscriptschilderen die ze studeerde in Lahore, Pakistan (waar ze is geboren en getogen), ook voor mijn ogen behoort ze tot deze geneaologie. Ze waagt zich echter zelden aan beeldhouwkunst. De belangrijkste gereedschappen van Sikander zijn gouache, aquarel en inkt op papier. Ze kan weelderig zijn met haar spontaniteit zoals ze is in "Epistrophe", en ze kan rigoureus precies zijn zoals "Running on Empty" (2002) laat zien. In het latere stuk wordt een veelkleurig, doorschijnend silhouet van een geslachtsloze figuur gelegd over een werveling van mannelijke figuren en de avatars van hindoegoden, allemaal in een ingewikkeld mozaïekpatroon. Shahzia Sikander, "Running on Empty" (2002) aquarel en inkjet op wasli-papier Ik waardeer echt de stukken waarin ze beide doet, zoals in "A Slight and Pleasing Dislocation" uit 2001, een onvoltooid paneel dat oorspronkelijk deel moest uitmaken van een 50-voet muurschildering die Sikander de opdracht had gekregen om te maken. De figuur is zonder hoofd en velen bewapend (mogelijk een soort Durga ) met de bovengenoemde getande voeten die herhaaldelijk verschijnen en verschillende wapens en gereedschappen die in de 13 handen worden vastgehouden. Dit is een versie van de vrouw die alles kan zijn en doen, de persoon die niet te overzien is. En in onze populaire cultuur wordt de onberekenbare persoon als gevaarlijk beschouwd, en we waarderen en verachten hem hiervoor. En vooral gekleurde mensen zijn onderhevig aan deze projectie. Volgens het bijschrift van de afbeelding leek dit cijfer na 9/11 bedreigend voor de opdrachtgevers en werd Sikander gevraagd het te wijzigen. Ze weigerde en gaf in plaats daarvan de commissie op. In haar werk en in haar eigen geleefde leven laat Sikander zien dat haar visie op vrouwen niet mag worden verboden of beperkt. Shahzia Sikander, “A Slight and Pleasing Dislocation” (2001) acryl aan boord In Extraordinary Realities demonstreert Sikander een geweldige faciliteit door de traditie van miniatuurschilderkunst in andere culturele contexten te trekken. Het werk dat ze maakte tijdens een fellowship in Houston in het Museum of Fine Arts van 1995-1997, bijvoorbeeld "Eye-I-ing That Armorial Bearings" (1989-1997), laat zien hoe ze de culturele dynamiek en specifieke geschiedenissen die betrekking hebben op Afro-Amerikanen. In dit werk wordt het hoofd van kunstenaar Rick Lowe, oprichter van Project Row Houses in Houston, ondersteboven getoond samen met verschillende iconen en symbolen uit haar eigen tradities – de lezende geleerde en de durga. Ze mengt zich ook in het Grieks, zoals in de griffioen in de rechter benedenhoek. Het stuk voelt alsof ze een ander soort heraldiek probeert te ontwerpen – een die misschien het teken is van haar eigen specifieke huis. Shahzia Sikander, "Eye-I-ing That Armorial Bearings" (1989-97) plantaardige kleur, droog pigment, waterverf en thee op wasli-papier; 22×14,7cm. (© Shahzia Sikander, met dank aan: de kunstenaar en Sean Kelly, New York) Deze show is ook een manier voor de Morgan Library and Museum om uit te breiden wat mij al een tijdje een beperkt tentoonstellingspalet leek. Ik heb de instelling gekend om meestal shows te organiseren zoals Guercino: Virtuoso Draftsman , zoals ze deden in oktober 2019, of Walt Whitman: Bard of Democracy , die in juni van datzelfde jaar werd opgezet. In de afgelopen twee jaar heeft de Morgan echter ook Betye Saar: Call and Response tentoongesteld en een aanstaande tentoonstelling van tekeningen van zwarte kunstenaars uit het Amerikaanse zuiden . Dit lijkt veelbelovend om de Morgan in het gesprek te brengen over de kwesties macht, geslacht, etniciteit, keuzevrijheid, publieke erkenning en diversiteit. Extraordinary Realities laat zien dat we inderdaad kunnen spelen met onze overgeërfde traditionele manieren van kijken wanneer we een kunstenaar vinden die ze elegant en krachtig kan transformeren met de gecultiveerde vaardigheid van haar handen. Shahzia Sikander: Extraordinary Realities loopt tot en met 26 september in de Morgan Library and Museum (225 Madison Avenue, Midtown, Manhattan). Deze tentoonstelling vond zijn oorsprong in het RISD Museum.

Hoe Judy Baca de kruising van kunst en activisme opnieuw definieerde  LONG BEACH, Californië — Al 50 jaar creëert de in Los Angeles woonachtige kunstenaar Judy Baca plaatsen van het publieke geheugen. Door haar gezamenlijke muurschilderingen, multimediakunst en lesgeven heeft ze opnieuw gedefinieerd wat het betekent om te werken op het snijvlak van kunst en activisme. Nu kun je voor het eerst een overzichtstentoonstelling bezoeken die haar indrukwekkende carrière viert. Judy Baca: Memorias de Nuestra Tierra, a Retrospective , te zien in het Museum of Latin American Art (MOLAA) in Long Beach tot en met januari 2022, is mede-curator van MOLAA-hoofdcurator Gabriela Urtiaga en gastcurator Alessandra Moctezuma, de galeriedirecteur van San Diego Mesa College, die Baca in de jaren negentig leerde kennen als haar schilderassistent. Hoewel Baca vooral bekend staat om haar grootschalige openbare muurschilderingen, benadrukt deze tentoonstelling de uitgestrektheid van haar praktijk en brengt ze meer dan 120 werken samen in een reeks media, waaronder schilderkunst, beeldhouwkunst, installaties en een reeks intieme werken op papier die nooit publiekelijk getoond. De curatoren schuwden de witte doos, zoals Baca gedurende haar hele carrière heeft gedaan, en schilderden de galerijen in verschillende tinten rood, blauw en geel, en de overtuigingen die Baca ooit buiten de reguliere kunstwereld hielden – haar verschansing in gemeenschapsactivisme, collaboratieve praktijk , en toewijding aan het versterken van gemarginaliseerde stemmen – geven deze presentatie zijn onmiskenbare kracht. Ondanks het belang van Baca's werk en haar invloed op een generatie studenten als professor in de Cal State en University of California-systemen, hebben decennia van diepgeworteld racisme in de kunstwereld, gendervooroordelen en verzet tegen openlijk politieke vertoningen in de kunst een uitgebreide behandeling van haar carrière tot nu toe.  Judy Baca: Memorias de Nuestra Tierra, een retrospectief bij MOLAA, installatieweergave Baca werd eind jaren zestig volwassen en was actief in de anti-oorlogs-, feministische en Chicano-burgerrechtenbewegingen in Los Angeles. Ze wist dat ze een ander soort artiest wilde worden. “Op de een of andere manier wilde ik dat mijn werk ertoe zou doen. Ik wilde geen werk maken dat naar witte dozen ging', legde ze me uit toen we elkaar spraken. "Ik wilde werk maken om te gaan naar waar mijn familie was en waar mijn gemeenschap was." Baca begon haar studie aan de California State University Northridge in de nasleep van de Watts Rebellion van 1965, een zesdaagse opstand die werd veroorzaakt door politiegeweld tegen bewoners van de overwegend Afro-Amerikaanse wijk (waar Baca haar vroege jeugd doorbracht). In 1970, een jaar na het afronden van haar BFA, sloot ze zich aan bij het Chicano Moratorium, dat massaal protesteerde tegen de oorlog in Vietnam en de onevenredige tol van de Chicano-gemeenschap.  Judy Baca, "Josefina: Ofrenda to the Domestic Worker (Homenaje a la Trabaiadora Doméstica)" (1993), digitale print op canvas, 14 x 6 voet (collectie van de kunstenaar) Baca heeft haar activistische verplichtingen de afgelopen halve eeuw gehandhaafd en een kunstpraktijk ontwikkeld die wederkerig, herstellend, empowerment en diep geworteld is in vrijgevigheid en respect. "Het goede nieuws voor ons is dat Judy er altijd is geweest", vertelde Urtiaga me. “Ze werkt altijd voor anderen.” Beelden van gewone mensen – arbeiders, migranten, moeders – worden geactiveerd in kunstwerken die rechtstreeks putten uit de ervaringen van rechteloze gemeenschappen. "Josefina: Ofrenda to the Domestic Worker" (1993) brengt hulde aan deze essentiële werkers – bijna altijd vrouwen, en te vaak onzichtbaar gemaakt. In de Womanist-galerij (Moctezuma gebruikt Alice Walker's term "womanist" in plaats van "feminist" om "de ervaringen van gekleurde vrouwen op te nemen"), zien we andere representaties van vrouwelijke empowerment geproduceerd door Baca's carrière, zoals "Hijas de Juarez" (2002 ), een sculpturaal eerbetoon aan de honderden vrouwen die eind jaren negentig in de grensstad zijn vermoord. Een versie van een van Baca's meest duurzame womanistische werken, "Las Tres Marias" (1976), speciaal opnieuw gemaakt voor de retrospectieve als "Las Tres Forever" (2021), verankert de galerij (COVID-19-beperkingen verboden de opname van het origineel, die zich in de collectie van het Smithsonian American Art Museum bevindt). De vrijstaande sculptuur met drie panelen toont twee archetypische afbeeldingen van Chicana-macht en rebellie – de 'Chola' uit de jaren 70 en de 'Pachuca' uit de jaren 40 – gescheiden door een spiegel. De achterkanten van de panelen zijn bekleed met rood fluweel, "tuck and roll" in de stijl van een klassieke lowrider. Het werk houdt de kijker zowel binnen de prescriptieve patriarchale grenzen van het maagd/moeder/hoer-paradigma en dringt aan op een herdefiniëring van de Chicana-identiteit op eigen voorwaarden. "Las Tres Marias" is ontstaan als een onderdeel van een performance gepresenteerd op een van de vroegste tentoonstellingen van Chicana-kunst in Los Angeles, Venas de La Mujer , in 1976. De tentoonstelling, die Baca mede-cureerde, vond plaats in het Woman's Building, een knooppunt aan de westkust van de feministische kunstbeweging. Tijdens de uitvoering transformeerde Baca zichzelf in de Pachuca voor een achtergrond met een gezamenlijke muurschildering geproduceerd door de Tiny Locas, een groep jonge Chicana's uit Pacoima. Een viering van een ander soort vrouwelijke kracht is te zien in het dubbelzijdige drieluik “Matriarchal Mural: When God Was a Woman” (1980-2021). Dit carrière-omspannende werk begon als een gezamenlijke inspanning in 1980, en toen de financiering een paar jaar later opdroogde, werd het onvoltooide stuk verplaatst naar de opslag waar het bleef totdat deze tentoonstelling een impuls gaf om het te voltooien. "Ik was verbaasd over hoeveel het resoneerde met het moment," vertelde Baca me. “Ik denk aan de opwarming van de aarde. Ik denk aan het feit dat zoveel van onze wereld heeft geleden onder mannelijk leiderschap … Het idee dat het macht over iedereen en over dingen was … we verloren ons medeleven.”  Judy Baca, "La Memoria de Nuestra Tierra, California" (1996), 10 x 30 voet, acryl op canvas muurschildering gelegen aan de Universiteit van Zuid-Californië Dit geloof in de onlosmakelijke verbinding tussen alle levende wezens verankert Baca's activisme en haar kunst en is ook verankerd in de titel van de tentoonstelling. Memorias de Nuestra Tierra vertaalt naar 'herinneringen aan ons land' en verwijst niet alleen naar onze collectieve herinneringen aan de plaatsen die we claimen, maar de herinnering aan het land zelf als een index van de geschiedenis. In het Spaans is het uitgebreider, zoals Moctezuma aangeeft. "Tierra" betekent ook aarde – het land dat we kort delen, maar niet bezitten. "We zijn tijdelijke bewoners", zegt Baca. "We zijn gemaakt van deze aarde … we zullen ernaar terugkeren … en [we] moeten op een echt substantiële manier opnieuw verbinding maken om onze planeet voor vernietiging te behoeden."  Sectie van Judy Baca's "The Great Wall", Los Angeles (afbeelding met dank aan MOLAA, foto door Solimar Salas) Baca's drive om de relatie tussen de mensheid en de natuurlijke wereld te herstellen is overal in de tentoonstelling zichtbaar. Ze heeft er vaak over gesproken in de context van haar vroegste en grootste muurschildering, haar magnum opus "The Great Wall of Los Angeles" (1976-1983), die werd geschilderd in samenwerking met meer dan 400 lokale jongeren, 100 wetenschappers en 40 kunstenaars. assistenten in een verharde overstromingsgeul van de LA River. "Het moment dat ik de rand van de rivier instapte en me voorstelde dat het een tatoeage was op het litteken waar de rivier ooit liep, dat was het begin van het kunstwerk", vertelde ze me. "The Great Wall" was het eerste project dat Baca uitvoerde via SPARC (Social Public Art Resource Center) , de organisatie die ze in 1976 samen met kunstenaar Christina Schlesinger en filmmaker Donna Deitch oprichtte, en het is kenmerkend voor Baca's specifieke merk van community-based samenwerking. De missie van SPARC is sindsdien het produceren en ondersteunen van dergelijke collectieve openbare kunstprojecten in Los Angeles, en het betrekken van de lokale bevolking bij het proces. Het is vandaag de dag nog steeds een van de langstlopende kunstenaarsorganisaties in Los Angeles. Naast de muurschilderingen bevat de tentoonstelling boeiende sculpturen die de vloeibaarheid van Baca's notie van 'site' benadrukken, waardoor bekende objecten worden omgezet in actieve loci van protest, betwisting en dekolonisatie. Een geschiedenis van het Amerikaanse immigratiebeleid is getatoeëerd op de ruggen van de arbeiders die zijn geschilderd op Baca's "Raspados Mojados" (1994), een straatverkoperwagen die ze omvormde als reactie op discriminatie en geweld tegen de verkopers van Los Angeles, en bij uitbreiding de aanwezigheid van Latinx in openbare ruimtes. Tijdens het werken met grensgemeenschappen in de vroege jaren 2000, werd Baca herhaaldelijk geconfronteerd met Pancho-sculpturen – keramische beeldjes van gezichtsloze Mexicaanse mannen die dommelen onder grote sombrero's. De kitsch-objecten, lang populair bij Amerikaanse toeristen, hebben een veelzijdige geschiedenis , waaronder hun verspreiding van verraderlijke stereotypen zoals de luie of dronken Mexicaan. Baca's interventies transformeren de Pancho's in symbolen van kracht en uithoudingsvermogen en registreren de strijd, opofferingen en triomfen van migranten op de lichamen van de figuren zelf.  Judy Baca, "Pancho Trinity 1: 'El Espiritu,' 'La Tierra,' 'La Familia'" (1993), drie 26 x 18 x 20 inch, acrylverf en mixed media op met urethaan gecoate piepschuim sculpturen (collectie van de artiest) De grote inzet van het maken van kunst in de openbare ruimte blijkt uit de controverse rond Baca's monument, "Danzas Indígenas", een plein en platform dat in 1994 in opdracht werd gegeven voor het Baldwin Park Metrolink-forensentreinstation. Gebaseerd op de geschiedenis en architectuur van de nabijgelegen Mission San Gabriel, Baca's ontwerp weerspiegelt het verleden en heden van de Baldwin Park-site. Ze combineert inheemse, Spaanse en mestizo-geschiedenis met door de gemeenschap gegenereerde hoop voor de toekomst van de stad, die zijn gegraveerd op de muren van de missie-achtige boog in het midden van het plein. De controverse ontstond een decennium later toen de anti-illegale immigrantengroep Save Our State (niet gevestigd in Baldwin Park, maar in Ventura County) het monument aanviel voor een aanval vanwege het vermeende 'anti-Amerikaanse' sentiment. Videobeelden van het protest en de reproductie van de borden van de tegendemonstranten die tolerantie aanmoedigen, zijn krachtige herinneringen dat, zoals Moctezuma herhaalde, 'de openbare ruimte omstreden ruimte is'.  Judy Baca, "Danzas Indigenas" De tentoonstelling wordt afgesloten met 'The Great Wall of Los Angeles', die de curatoren opnieuw moesten uitbeelden binnen de muren van het museum. In samenwerking met Baca en een team van MOLAA-medewerkers ontwikkelden Moctezuma en Urtiaga wat zij een "meeslepende audiovisuele ervaring" van de muurschildering noemen. Kijkers gaan een zwarte doos binnen en worden plotseling omringd door een kamerhoge projectie van een woestijnlandschap, dat plaats maakt voor de Los Angeles-rivier terwijl deze verandert in zijn huidige geconcretiseerde staat. Het project wordt ingeleid met een korte video waarin de productie, het belang en de gelijktijdige ontvangst worden beschreven, voordat een scrollende presentatie van de muurschildering in zijn geheel wordt getoond. Het totale effect is een oogverblindende en soms duizelingwekkende vertaling van de impact en onmetelijkheid van de 800 meter lange muurschildering in het galerieformaat. In haar opmerkingen bij de opening van Memorias de Nuestra Tierra beschreef Baca haar ervaring van de retrospectieve als die van een rivierrots. Ze neemt rivierrotsen op in haar aanstaande uitbreiding van 'The Great Wall'. 'Ik ben net die rivierrots,' zei ze. “Volledig uitgehouwen door het bonzen van water en de moeilijkheid van tijden. Je wordt afgerond en je bent solide … Je wordt gevormd door die ervaringen. " Baca heeft lang op dit moment gewacht. "Ik ben dankbaar voor het feit dat dit gebeurt terwijl ik leef", zei ze. "En ik ben dankbaar dat ik de ervaring heb gehad om het samen op één plek te zien en een nieuw begrip te hebben … ik denk dat het me zal helpen bij het volgende werk dat ik doe." Judy Baca: Memorias de Nuestra Tierra, a Retrospective loopt tot en met 31 januari 2022 in MOLAA (628 Alamitos Avenue, Long Beach). De tentoonstelling is samengesteld door Gabriela Urtiaga en Alessandra Moctezuma.

Hoe Judy Baca de kruising van kunst en activisme opnieuw definieerde LONG BEACH, Californië — Al 50 jaar creëert de in Los Angeles woonachtige kunstenaar Judy Baca plaatsen van het publieke geheugen. Door haar gezamenlijke muurschilderingen, multimediakunst en lesgeven heeft ze opnieuw gedefinieerd wat het betekent om te werken op het snijvlak van kunst en activisme. Nu kun je voor het eerst een overzichtstentoonstelling bezoeken die haar indrukwekkende carrière viert. Judy Baca: Memorias de Nuestra Tierra, a Retrospective , te zien in het Museum of Latin American Art (MOLAA) in Long Beach tot en met januari 2022, is mede-curator van MOLAA-hoofdcurator Gabriela Urtiaga en gastcurator Alessandra Moctezuma, de galeriedirecteur van San Diego Mesa College, die Baca in de jaren negentig leerde kennen als haar schilderassistent. Hoewel Baca vooral bekend staat om haar grootschalige openbare muurschilderingen, benadrukt deze tentoonstelling de uitgestrektheid van haar praktijk en brengt ze meer dan 120 werken samen in een reeks media, waaronder schilderkunst, beeldhouwkunst, installaties en een reeks intieme werken op papier die nooit publiekelijk getoond. De curatoren schuwden de witte doos, zoals Baca gedurende haar hele carrière heeft gedaan, en schilderden de galerijen in verschillende tinten rood, blauw en geel, en de overtuigingen die Baca ooit buiten de reguliere kunstwereld hielden – haar verschansing in gemeenschapsactivisme, collaboratieve praktijk , en toewijding aan het versterken van gemarginaliseerde stemmen – geven deze presentatie zijn onmiskenbare kracht. Ondanks het belang van Baca's werk en haar invloed op een generatie studenten als professor in de Cal State en University of California-systemen, hebben decennia van diepgeworteld racisme in de kunstwereld, gendervooroordelen en verzet tegen openlijk politieke vertoningen in de kunst een uitgebreide behandeling van haar carrière tot nu toe. Judy Baca: Memorias de Nuestra Tierra, een retrospectief bij MOLAA, installatieweergave Baca werd eind jaren zestig volwassen en was actief in de anti-oorlogs-, feministische en Chicano-burgerrechtenbewegingen in Los Angeles. Ze wist dat ze een ander soort artiest wilde worden. “Op de een of andere manier wilde ik dat mijn werk ertoe zou doen. Ik wilde geen werk maken dat naar witte dozen ging', legde ze me uit toen we elkaar spraken. "Ik wilde werk maken om te gaan naar waar mijn familie was en waar mijn gemeenschap was." Baca begon haar studie aan de California State University Northridge in de nasleep van de Watts Rebellion van 1965, een zesdaagse opstand die werd veroorzaakt door politiegeweld tegen bewoners van de overwegend Afro-Amerikaanse wijk (waar Baca haar vroege jeugd doorbracht). In 1970, een jaar na het afronden van haar BFA, sloot ze zich aan bij het Chicano Moratorium, dat massaal protesteerde tegen de oorlog in Vietnam en de onevenredige tol van de Chicano-gemeenschap. Judy Baca, "Josefina: Ofrenda to the Domestic Worker (Homenaje a la Trabaiadora Doméstica)" (1993), digitale print op canvas, 14 x 6 voet (collectie van de kunstenaar) Baca heeft haar activistische verplichtingen de afgelopen halve eeuw gehandhaafd en een kunstpraktijk ontwikkeld die wederkerig, herstellend, empowerment en diep geworteld is in vrijgevigheid en respect. "Het goede nieuws voor ons is dat Judy er altijd is geweest", vertelde Urtiaga me. “Ze werkt altijd voor anderen.” Beelden van gewone mensen – arbeiders, migranten, moeders – worden geactiveerd in kunstwerken die rechtstreeks putten uit de ervaringen van rechteloze gemeenschappen. "Josefina: Ofrenda to the Domestic Worker" (1993) brengt hulde aan deze essentiële werkers – bijna altijd vrouwen, en te vaak onzichtbaar gemaakt. In de Womanist-galerij (Moctezuma gebruikt Alice Walker's term "womanist" in plaats van "feminist" om "de ervaringen van gekleurde vrouwen op te nemen"), zien we andere representaties van vrouwelijke empowerment geproduceerd door Baca's carrière, zoals "Hijas de Juarez" (2002 ), een sculpturaal eerbetoon aan de honderden vrouwen die eind jaren negentig in de grensstad zijn vermoord. Een versie van een van Baca's meest duurzame womanistische werken, "Las Tres Marias" (1976), speciaal opnieuw gemaakt voor de retrospectieve als "Las Tres Forever" (2021), verankert de galerij (COVID-19-beperkingen verboden de opname van het origineel, die zich in de collectie van het Smithsonian American Art Museum bevindt). De vrijstaande sculptuur met drie panelen toont twee archetypische afbeeldingen van Chicana-macht en rebellie – de 'Chola' uit de jaren 70 en de 'Pachuca' uit de jaren 40 – gescheiden door een spiegel. De achterkanten van de panelen zijn bekleed met rood fluweel, "tuck and roll" in de stijl van een klassieke lowrider. Het werk houdt de kijker zowel binnen de prescriptieve patriarchale grenzen van het maagd/moeder/hoer-paradigma en dringt aan op een herdefiniëring van de Chicana-identiteit op eigen voorwaarden. "Las Tres Marias" is ontstaan als een onderdeel van een performance gepresenteerd op een van de vroegste tentoonstellingen van Chicana-kunst in Los Angeles, Venas de La Mujer , in 1976. De tentoonstelling, die Baca mede-cureerde, vond plaats in het Woman's Building, een knooppunt aan de westkust van de feministische kunstbeweging. Tijdens de uitvoering transformeerde Baca zichzelf in de Pachuca voor een achtergrond met een gezamenlijke muurschildering geproduceerd door de Tiny Locas, een groep jonge Chicana's uit Pacoima. Een viering van een ander soort vrouwelijke kracht is te zien in het dubbelzijdige drieluik “Matriarchal Mural: When God Was a Woman” (1980-2021). Dit carrière-omspannende werk begon als een gezamenlijke inspanning in 1980, en toen de financiering een paar jaar later opdroogde, werd het onvoltooide stuk verplaatst naar de opslag waar het bleef totdat deze tentoonstelling een impuls gaf om het te voltooien. "Ik was verbaasd over hoeveel het resoneerde met het moment," vertelde Baca me. “Ik denk aan de opwarming van de aarde. Ik denk aan het feit dat zoveel van onze wereld heeft geleden onder mannelijk leiderschap … Het idee dat het macht over iedereen en over dingen was … we verloren ons medeleven.” Judy Baca, "La Memoria de Nuestra Tierra, California" (1996), 10 x 30 voet, acryl op canvas muurschildering gelegen aan de Universiteit van Zuid-Californië Dit geloof in de onlosmakelijke verbinding tussen alle levende wezens verankert Baca's activisme en haar kunst en is ook verankerd in de titel van de tentoonstelling. Memorias de Nuestra Tierra vertaalt naar 'herinneringen aan ons land' en verwijst niet alleen naar onze collectieve herinneringen aan de plaatsen die we claimen, maar de herinnering aan het land zelf als een index van de geschiedenis. In het Spaans is het uitgebreider, zoals Moctezuma aangeeft. "Tierra" betekent ook aarde – het land dat we kort delen, maar niet bezitten. "We zijn tijdelijke bewoners", zegt Baca. "We zijn gemaakt van deze aarde … we zullen ernaar terugkeren … en [we] moeten op een echt substantiële manier opnieuw verbinding maken om onze planeet voor vernietiging te behoeden." Sectie van Judy Baca's "The Great Wall", Los Angeles (afbeelding met dank aan MOLAA, foto door Solimar Salas) Baca's drive om de relatie tussen de mensheid en de natuurlijke wereld te herstellen is overal in de tentoonstelling zichtbaar. Ze heeft er vaak over gesproken in de context van haar vroegste en grootste muurschildering, haar magnum opus "The Great Wall of Los Angeles" (1976-1983), die werd geschilderd in samenwerking met meer dan 400 lokale jongeren, 100 wetenschappers en 40 kunstenaars. assistenten in een verharde overstromingsgeul van de LA River. "Het moment dat ik de rand van de rivier instapte en me voorstelde dat het een tatoeage was op het litteken waar de rivier ooit liep, dat was het begin van het kunstwerk", vertelde ze me. "The Great Wall" was het eerste project dat Baca uitvoerde via SPARC (Social Public Art Resource Center) , de organisatie die ze in 1976 samen met kunstenaar Christina Schlesinger en filmmaker Donna Deitch oprichtte, en het is kenmerkend voor Baca's specifieke merk van community-based samenwerking. De missie van SPARC is sindsdien het produceren en ondersteunen van dergelijke collectieve openbare kunstprojecten in Los Angeles, en het betrekken van de lokale bevolking bij het proces. Het is vandaag de dag nog steeds een van de langstlopende kunstenaarsorganisaties in Los Angeles. Naast de muurschilderingen bevat de tentoonstelling boeiende sculpturen die de vloeibaarheid van Baca's notie van 'site' benadrukken, waardoor bekende objecten worden omgezet in actieve loci van protest, betwisting en dekolonisatie. Een geschiedenis van het Amerikaanse immigratiebeleid is getatoeëerd op de ruggen van de arbeiders die zijn geschilderd op Baca's "Raspados Mojados" (1994), een straatverkoperwagen die ze omvormde als reactie op discriminatie en geweld tegen de verkopers van Los Angeles, en bij uitbreiding de aanwezigheid van Latinx in openbare ruimtes. Tijdens het werken met grensgemeenschappen in de vroege jaren 2000, werd Baca herhaaldelijk geconfronteerd met Pancho-sculpturen – keramische beeldjes van gezichtsloze Mexicaanse mannen die dommelen onder grote sombrero's. De kitsch-objecten, lang populair bij Amerikaanse toeristen, hebben een veelzijdige geschiedenis , waaronder hun verspreiding van verraderlijke stereotypen zoals de luie of dronken Mexicaan. Baca's interventies transformeren de Pancho's in symbolen van kracht en uithoudingsvermogen en registreren de strijd, opofferingen en triomfen van migranten op de lichamen van de figuren zelf. Judy Baca, "Pancho Trinity 1: 'El Espiritu,' 'La Tierra,' 'La Familia'" (1993), drie 26 x 18 x 20 inch, acrylverf en mixed media op met urethaan gecoate piepschuim sculpturen (collectie van de artiest) De grote inzet van het maken van kunst in de openbare ruimte blijkt uit de controverse rond Baca's monument, "Danzas Indígenas", een plein en platform dat in 1994 in opdracht werd gegeven voor het Baldwin Park Metrolink-forensentreinstation. Gebaseerd op de geschiedenis en architectuur van de nabijgelegen Mission San Gabriel, Baca's ontwerp weerspiegelt het verleden en heden van de Baldwin Park-site. Ze combineert inheemse, Spaanse en mestizo-geschiedenis met door de gemeenschap gegenereerde hoop voor de toekomst van de stad, die zijn gegraveerd op de muren van de missie-achtige boog in het midden van het plein. De controverse ontstond een decennium later toen de anti-illegale immigrantengroep Save Our State (niet gevestigd in Baldwin Park, maar in Ventura County) het monument aanviel voor een aanval vanwege het vermeende 'anti-Amerikaanse' sentiment. Videobeelden van het protest en de reproductie van de borden van de tegendemonstranten die tolerantie aanmoedigen, zijn krachtige herinneringen dat, zoals Moctezuma herhaalde, 'de openbare ruimte omstreden ruimte is'. Judy Baca, "Danzas Indigenas" De tentoonstelling wordt afgesloten met 'The Great Wall of Los Angeles', die de curatoren opnieuw moesten uitbeelden binnen de muren van het museum. In samenwerking met Baca en een team van MOLAA-medewerkers ontwikkelden Moctezuma en Urtiaga wat zij een "meeslepende audiovisuele ervaring" van de muurschildering noemen. Kijkers gaan een zwarte doos binnen en worden plotseling omringd door een kamerhoge projectie van een woestijnlandschap, dat plaats maakt voor de Los Angeles-rivier terwijl deze verandert in zijn huidige geconcretiseerde staat. Het project wordt ingeleid met een korte video waarin de productie, het belang en de gelijktijdige ontvangst worden beschreven, voordat een scrollende presentatie van de muurschildering in zijn geheel wordt getoond. Het totale effect is een oogverblindende en soms duizelingwekkende vertaling van de impact en onmetelijkheid van de 800 meter lange muurschildering in het galerieformaat. In haar opmerkingen bij de opening van Memorias de Nuestra Tierra beschreef Baca haar ervaring van de retrospectieve als die van een rivierrots. Ze neemt rivierrotsen op in haar aanstaande uitbreiding van 'The Great Wall'. 'Ik ben net die rivierrots,' zei ze. “Volledig uitgehouwen door het bonzen van water en de moeilijkheid van tijden. Je wordt afgerond en je bent solide … Je wordt gevormd door die ervaringen. " Baca heeft lang op dit moment gewacht. "Ik ben dankbaar voor het feit dat dit gebeurt terwijl ik leef", zei ze. "En ik ben dankbaar dat ik de ervaring heb gehad om het samen op één plek te zien en een nieuw begrip te hebben … ik denk dat het me zal helpen bij het volgende werk dat ik doe." Judy Baca: Memorias de Nuestra Tierra, a Retrospective loopt tot en met 31 januari 2022 in MOLAA (628 Alamitos Avenue, Long Beach). De tentoonstelling is samengesteld door Gabriela Urtiaga en Alessandra Moctezuma.

%d bloggers liken dit: