Een historische show van zwarte vrouwelijke artiesten krijgt een tweede leven

Als discipline heeft de kunstgeschiedenis nog een lange weg te gaan om haar flagrante omissies te herstellen. Maar een van de meest boeiende recente curatoriële interventies zijn die waarin zwarte vrouwen centraal stonden. De nieuwste, You've Come A Long Way, Baby: The Sapphire Show, haalt zijn zwarte feministische muze uit een onderzoek uit 1970 onder Afro-Amerikaanse vrouwelijke artiesten in LA – Sapphire: You've Come A Long Way, Baby. Georganiseerd door Ortuzar Projects in Tribeca, behoudt de heruitvinding van de historische show dezelfde geweldige line-up, met werken van Gloria Bohanon, Suzanne Jackson, Betye Saar , Senga Nengudi (toen Sue Irons), Yvonne Cole Meo en Eileen Nelson (née Abdulrashid) , gerealiseerd tussen 1966 en 2021.

Ondanks zijn waarschijnlijke status als de eerste tentoonstelling van alle zwarte vrouwelijke kunstenaars in de VS, zijn er zeer weinig archiefstukken van de originele Sapphire Show. De tentoonstelling was een gezamenlijke reactie op de patriarchale vooringenomenheid van een onderzoek naar zwarte kunst bij Carnation Company dat jaar. Jackson hield de tegententoonstelling in Gallery 32, de experimentele ruimte die ze in 1969-70 vanuit haar loft in LA rende. Als bewijs van de onoplettendheid van de reguliere kunstwereld voor Afro-Amerikaanse kunst in het algemeen, en in het bijzonder die gemaakt door zwarte vrouwen, kozen de zes artiesten ervoor om de zwarte feministische ethiek van elkaar op te vrolijken wanneer anderen dat niet doen.

Tentoonstellingsposter (afbeelding met dank aan Suzanne Jackson en Ortuzar Projects)

De poëtische titel is misschien cryptisch voor jongere generaties, maar in 1970 zou de verwijzing naar de popcultuur onmiddellijk herkenbaar zijn geweest. "Sapphire" parodieerde Sapphire Stevens, het karikaturistische personage "boze zwarte vrouw" uit de controversiële radio-naar-tv-show Amos 'n' Andy, die zelf uit de lucht werd gehaald onder druk van de NAACP. Het sentiment, "Je hebt een lange weg afgelegd, baby", dat vooraan is geladen voor de hedendaagse presentatie, verwijst eveneens naar het oorspronkelijke tijdperk, verwijzend naar een slogan met als thema vrouwenbevrijding van het sigarettenmerk Virginia Slims, een Brits bedrijf met historische banden met de slavernij in Amerika. Een archief poster met kindertijd en volwassenheid foto's van de zes kunstenaars (een van de belangrijkste overlevende documenten van de originele show, zowel in gedrukte vorm bij Ortuzar), bouwt hierop verder idee van transformatie.

Archiefdocumenten die te zien zijn in de lobby aan de voorzijde trekken de aandacht van kijkers met informatie over de context van Galerie 32 en de tentoonstelling uit 1970 door middel van kortstondige materialen, foto's en literatuur uit de persoonlijke archieven van Suzanne Jackon, waaronder afbeeldingen van de oorspronkelijke locatie van de galerij in de gebouwen van Granada, en van Nengudi, Jackson en Nelson in 1969-1970.

Senga Nengudi, “Water Composition V” (1969–70/2018), hitteverzegeld vinyl en gekleurd water, afmetingen plint: 5 7/8 x 189 x 94 1/2 inch (afbeelding met dank aan de kunstenaar en Ortuzar Projects, New York , foto door Timothy Doyon)

Bij het betreden van de belangrijkste galerijruimte toont een groot platform op de vloer in de hoek bij de ingang Nengudi's "Water Composition V" (1969-70/2018): groene en gele vloeistof die de vinylbuizen vult, die lijkt op een neonlichtinstallatie – een van de vroege experimenten van de kunstenaar met de vormloosheid van natuurlijk en synthetisch materiaal. Gedurende de jaren '60 en '70 woonde Nengudi tussen LA en New York terwijl ze abstracte sculpturen en performances maakte, hoewel ze het exposeren van werk in New York vermeed vanwege de druk op zwarte kunstenaars om in sociaal realisme te werken, een dynamiek die tot een hoogtepunt kwam in de nasleep van de tentoonstelling van Tom Lloyd in 1968 in het Studio Museum in Harlem , die te maken kreeg met terugslag vanwege zijn abstractionistische esthetiek. Ondanks het gemeenschappelijke scepticisme, bleef ze zwartheid en abstractie samensmelten: "Study for 'Mesh Mirage'" (1977), dat aan de muur aan de overkant van de galerij hangt, vermengt conceptualistische prestaties met de ondoorzichtigheid van maskerade uit de Afrikaanse diaspora.

Contactblad met tentoonstellingsfoto's van Suzanne Jackson in Gallery 32 in de Granada Buildings, Los Angeles, 1969 (afbeelding met dank aan Suzanne Jackson; foto's en tentoonstelling door Elizabeth Leigh-Taylor)

Aan het plafond hangt Jackson's "Rag-to-Wobble" (2020), een celvormige massa van aardse verf, stoffen en vintage kleerhangers. Ondanks de tussenliggende decennia loopt deze recente ecologische assemblage parallel met haar werk uit 1972 dat was opgenomen in de originele show, "The American Sampler" (1972), een schilderij waarin twee grote vogels op een psychedelische boom staan met een gezicht erop. Betye Saar's "Taurus" (1967) onthult een contrast tussen mystiek en zwart cultureel nationalisme en is een waterverf- en inktweergave van het sterrenbeeld, terwijl haar klassieke assemblage vitrine die zich raciale kitsch toe-eigent, "Auntie & Watermelon" (1973) een miniatuur mammie toont beeldje met een pistool en een bezem. De combinatie van visuele symbolen van de Black Power-beweging, spiritualiteit, mixed media formalisme en abstractie in Saar's, Jackson's en Nengudi's werken verheldert de manieren waarop elk worstelde met en weerstand bood aan de dominante esthetische criteria van de Black Arts Movement.

Er is veel veranderd sinds de vroege, avant-garde interventies van deze kunstenaars. De enorme kloof – historisch en geografisch – tussen de tentoonstellingen van 1970 en 2021 is duidelijk zichtbaar: hoewel ze nog steeds ongelijk zijn aan hun blanke en mannelijke tegenhangers, is de vertegenwoordiging van zwarte vrouwelijke kunstenaars in tentoonstellingen aan de oostkust enorm toegenomen. Saar's MoMA-tentoonstelling in 2019 , Jackson's eerste solotentoonstelling in NYC, ook in Ortuzar , en Nengudi's huidige retrospectieve , hebben monumentale maar langverwachte schijnwerpers aan de oostkust geboden voor deze gewaardeerde kunstenaars.

Betye Saar, "Taurus" (1967), diepdruk, inkt en waterverf op papier, vel: 13 1/2 x 21 1/2 inch (afbeelding met dank aan de kunstenaar en Ortuzar Projects, New York, foto door Timothy Doyon)

Ondertussen hebben Eileen Nelson, Yvonne Cole Meo en Gloria Bohanon veel minder curatoriële en kunsthistorische aandacht gekregen. Bohanons 'Love Notes II: 'I Love You This Much' (ca. 1980) vormt een aanvulling op de groovyness van Saar, Nengudi en Jackson's experimenten met spiritualiteit en mystiek, terwijl het de solidariteit oproept tussen zwarte vrouwen die de originele Sapphire Show leidden. Nelsons 'Wood City' (1970) drukt eveneens ecologische motieven uit met hout, een boomtak en magneten. De sculpturale abstractie omvat drie flesjes met witte kralen en aarde, die wijzen op een spirituele invloed. Cole Meo's "Forbidden Fruit in Garden of Eden" (1965) combineert het natuurlijke met het bijbelse door middel van zijn sterk getextureerde schilderij van een boom weergegeven in een acrylcollage.

Terwijl de commercie en het spraakmakende karakter van een Tribeca-galerij uit 2021 een wereld verwijderd is van de intimiteit van een appartementengalerij, geven de gedeelde thema's spiritualiteit, natuur, liefde en abstractie een krachtige les over over het hoofd geziene kunstgeschiedenissen. Het kan inderdaad waar zijn dat de kunstwereld een lange weg heeft afgelegd in het erkennen van het baanbrekende werk van zwarte vrouwelijke kunstenaars, maar deze kunstenaars zijn altijd vooropgelopen.

Eileen Nelson, "Wood City" (1970), hout, boomtak, spijkers, magneet en 3 flesjes (met witte bedden en aarde) gelijmd bovenop een open houten rechthoekige basis, sculptuur: 22 x 9 x 14 inch (afbeelding met dank aan de kunstenaar en Ortuzar Projects, New York, foto door Timothy Doyon)