Stilgehouden.nl

De wilde kant van Poussin

De wilde kant van Poussin

Bron

LONDEN — Wat je ook probeert, het is niet gemakkelijk om van de schilderijen van de 17e-eeuwse Franse kunstenaar Nicolas Poussin (1594-1665) te houden.

Bewondering, ja. Liefde nee.

Starend naar zijn arcadische taferelen, bevolkt door goden uit de oudheid op relatief kleine schaal, die vaak verstoppertje lijken te spelen in zulke berekend gefabriceerde landschappen …. Nou, ze verblinden zeker door hun virtuositeit, maar kunnen ze ons echt raken op de manier waarop, laten we zeggen, een portret van Rembrandt ons kan raken?

Waarom voelt het publiek zich zo vaak een beetje koel, zo niet gekastijd, in hun aanwezigheid? Is deze man niet een beetje streng en humorloos? Waarom hebben we zo vaak het gevoel dat een geweldige Poussin het echt verdient om in de collectie van een of andere tweedy-kenner van de oude school te horen?

Een tentoonstelling als Poussin and the Dance in de National Gallery in Londen herinnert eraan dat zo'n oordeel niet helemaal eerlijk is. In feite verbergt nogal wat wildheid onder de mantel van geleerdheid en respectabiliteit.

Nicolas Poussin, “The Rape of the Sabines” (ca. 1633-34), zwarte krijtpen en bruine inkt bruin gewassen, 11,3 x 19,4 cm, The Royal Collection / HM Queen Elizabeth II (RCIN 911903) (© Royal Collection Trust / © Hare Majesteit Koningin Elizabeth II 2021)

Het herinnert ons er zelfs aan dat Poussin eens een jonge provinciaal met een fris gezicht was uit Normandië, die op 29-jarige leeftijd op weg ging naar Rome, die legendarische Eeuwige Stad, die uiteindelijk de bron van zijn verlichting als schilder.

Om even af te dwalen: in feite zijn er sinds het begin van het millennium twee grote Poussin-tentoonstellingen geweest. De eerste was in 2007 in het Metropolitan Museum of Art in New York. Wat hij liet zien, op een manier die nog nooit eerder was vertoond, was wat een geweldige schilder van bomen hij was. Vergeet al die speelse, kiekeboe nimfen en saters. Schiet ze allemaal buiten het podium. Kijk maar eens omhoog in die boomtakken tegen de lucht, hoe hij zulke bonte massa's van lichtdoorlatend, schaduwgevlekt groen creëerde. Claude Lorrain is in vergelijking daarmee een amateur. En, tegen het einde van zijn leven, wat een pathos was het om te zien hoe Poussins oude rot schudde en trilde, hoe hij, kortom, zijn briljante aanraking had verloren. Het verval had hem uiteindelijk opgeëist.

Deze show, die zich in de kelder van de National Gallery bevindt, is een heel ander Poussin-verhaal, maar het is net zo menselijk interessant en aangrijpend als dat van de Met. En dankzij de enorme diepte van zijn onderzoek en de kwaliteit en het bereik van de werken die het heeft samengebracht (uit Napels, Rome, Parijs en elders in dit gebouw), kunnen kijkers mediteren over een bepaald en fascinerend aspect van Poussin dat verdient echt veel aandacht: hoe hij figuren leerde schilderen, vaak meerdere figuren, met ingewikkelde dansbewegingen.

“The Borghese Dancers” (First Century CE), marmer, 71,9 x 187 cm1,9 x 187 cm, Parijs, Musée du Louvre, Département des Antiquités Grecques, Étrusques et Romaines, inv. MA 1612 (© RMN-Grand Palais)

Hij keek naar de manier waarop friezen op klassieke urnen werden geschilderd, waarbij hij vaak rechtstreeks (en aanvankelijk nogal onhandig) uit klassieke bronnen citeerde, hoe ze fladderden en vrij rondzweefden over een oppervlak, vaak met de handen verbonden. Zulke lichtvoetige feestvierders! Sommige van deze urnen, magnifiek groot en verbazingwekkend goed bewaard gebleven, zijn verscheept vanuit het Louvre of het Archeologisch Museum in Napels, het beste museum in zijn soort ter wereld. (Alleen al voor dit museum is het de moeite waard om de angstaanjagende ervaring van de oude straten van Napels met zijn scooter-rijdende maniakken te trotseren.) Later maakte Poussin wassen beelden van individuele dansers, en plaatste ze in een klein theater van zijn eigen makelij. De originelen van al deze figuren zijn nu verloren gegaan, maar een verweven paar is speciaal voor deze tentoonstelling opnieuw gemaakt om de schaal en ingewikkelde beweging te laten zien.

Poussin bracht het grootste deel van zijn latere leven door in Rome en keerde slechts één keer terug naar Parijs. Kardinaal de Richelieu, eerste minister van Lodewijk XIII, gaf hem de opdracht een reeks schilderijen te maken, wat hielp om zijn steeds groeiende reputatie te versterken. Richelieu hing de schilderijen op in zijn kasteel, niet ver van Parijs, in een kamer die bekend staat als het Cabinet du Roi. Ach, zo'n bewonderenswaardige sycofantie! Deze drie Triumphs zijn weer herenigd in Londen. Terwijl ze demonstreren hoe briljant Poussin werd in het organiseren van scènes met massa's draaiende, springende, dansende, karnende lichamen, herinneren ze ons er ook nog eens aan wat een oogverblindende colorist hij kon zijn.

Nicolas Poussin, “Dancing Votary of Bacchus” (ca. 1630-35), inkt en gewassen over zwart krijt, 15,5 x 13,5 cm, Zwitserland, Fondation Jan Krugier, inv. FJK100 (© Fondation Jan Krugier, Lausanne – Zwitserland)

Heeft Howard Hodgkin niet één keer opgemerkt dat hij elke keer dat hij ze in Poussins 'Rinaldo and Armida' in de Dulwich Picture Gallery zag, kon bezwijmen over de kleur van Rinaldo's oranje shorts?

Deze Triumphs zijn beslist losbandig, maar het feit dat ze de goden van de oudheid zijn, helpt om hun immoraliteit veilig weggestopt te houden in een vergulde doos. Wat een slimme kleine list! Het zou steeds opnieuw door kunstenaars worden gebruikt. Voorbereidende tekeningen, vaak sterk afgewerkte varianten op een iets ander eindwerk, laten ons zien hoe ver hij deed om de problemen van wie waarheen gaat het hoofd te bieden. Deze tekeningen, vaak met pen en bruine inkt, zijn op zichzelf al werken van de hoogste kwaliteit. In een ervan, uit 1636, pletten drie saters om de beurt een dikke wijnzak onder de voeten. Puur genot.

Nicolas Poussin, "A Dance to the Music of Time" (ongeveer 1634-36), olieverf op doek, 82,5 x 104 cm (met vriendelijke toestemming van de beheerders van de Wallace-collectie, Londen (P108) © The Trustees of the Wallace Collection )

De tentoonstelling wordt afgesloten met een veel rustiger en meer filosofische noot, hoewel Poussins fascinatie voor het in beweging brengen van dansers hem niet heeft losgelaten. "A Dance to the Music of Time" (1634) behoort tot de Wallace Collection, ongeveer anderhalve kilometer van de National Gallery. Hij laat ons vier dansers zien, die de handen opnieuw verbinden en de eeuwige cyclus van de seizoenen naspelen. Het is ernstig en traag. Het mist de brullende gladheid van zoveel van de eerdere werken. Het inspireerde ook tot een grote cyclus van 12 onweerstaanbaar leesbare romans, in feite een komisch meesterwerk met dezelfde titel, van de Britse auteur Anthony Powell, die vol zit met de grappen en gekkigheid van de heersende klassen van dit eiland. Powell gebruikte de titel ironisch, ironisch. Er is niets ironisch of ironisch aan het origineel van Poussin. Het is kalm en statig in zijn stemming, het toonbeeld van neoklassieke terughoudendheid. Later in dit decennium stapte Poussin over van hilariteit naar nuchterheid. Dit schilderij lijkt die verschuiving te voorspellen.

Poussin and the Dance gaat door in de National Gallery (Trafalgar Square, Londen, Engeland) tot 2 januari 2022. Daarna reist het naar het J. Paul Getty Museum, waar het zal lopen van 15 februari tot 8 mei 2022. De tentoonstelling was georganiseerd door de National Gallery, Londen en het Getty Museum, Los Angeles, Californië.

Gregory

Met Museum ontvangt zeldzame Poussin-schilderij van topverzamelaars Door de eeuwen heen doorgegeven, gekocht en verkocht, is een blits verzamelobject uit de 17e eeuw eindelijk in de museumcollectie terechtgekomen. Het Metropolitan Museum of Art in New York heeft Nicolas Poussin 's Agony in the Garden (1626-1627) ontvangen, met dank aan de New Yorkse verzamelaars Barbara en Jon Landau , die sinds 1995 elk jaar op de Top 200 Collectors-lijst van ARTnews staan. The Met bezit al zes Poussin-schilderijen, waaronder Midas Washing at the Source of the Pactolus (ca. 1627), dat deel uitmaakte van de oorspronkelijke aankoop van zaden waarmee het museum in 1871 werd opgericht. Nu heeft het zeven schilderijen van de kunstenaar met de toevoeging van Agony in the Garden, dat vandaag te zien is. De Landaus hebben de afgelopen 22 jaar Agony in the Garden in bezit gehad en het heeft sindsdien een prominente plaats ingenomen in de 'galerij in de middelste hal met vier van onze grootste meesterwerken', zei Jon in een e-mail. Ze hebben het werk recentelijk uitgeleend aan de tentoonstelling 'Poussin and God' van het Louvre in 2015. Hij vervolgde: "The Met had al de grootste groep Poussins in Noord-Amerika, en onze foto voegt echt iets toe aan de verzameling van de artiest en verbetert deze." "Poussin is deze titaan van de Europese kunst, ook al is hij voor sommige mensen niet per se een begrip", zegt David Pullins, associate curator bij de afdeling Europese schilderkunst van de Met. "Een van de redenen dat hij zo belangrijk is, is dat hij cruciaal is in het kleur-versus-lijndebat dat de Europese kunstproductie en kunsttheorie eeuwenlang zal domineren." Dit werk is bijzonder ongebruikelijk binnen het oeuvre van Poussin, aangezien het een van de slechts twee geaccepteerde werken van de kunstenaar is met olie op koper (in tegenstelling tot olie op doek). Agony in the Garden, met afmetingen van iets meer dan 24 inch bij 19 inch en slechts één millimeter dik, werd gemaakt kort nadat de Franse schilder in 1624 in Rome aankwam. Daar studeerde hij Italiaanse renaissanceschilderkunst en nieuwe archeologische ontdekkingen van Grieks-Romeinse oudheden. Destijds was Poussin grotendeels onbekend, aangezien hij nog maar net was begonnen met het leggen van de connecties die nodig waren om een grote aanhang te verzekeren. Hij had iets nodig om de aandacht op te vestigen, dus kocht hij een grote plaat koper, wat in die tijd een duur materiaal zou zijn geweest voor een jonge kunstenaar. Gewoonlijk zou koper zijn gebruikt om een ets te maken, en omdat men afdrukken kon maken met het koper als plaat, zou dat een kunstenaar helpen de kosten terug te verdienen die voor een vel ervan waren betaald. "Dit medium van olie op koper werd in het 17e-eeuwse Europa altijd gezien als een echt collectorsitem, een luxeobject – het verhoogde de lat", zei Pullins. “Het is vanaf het begin een blits object dat de aandacht op zichzelf vestigt. Het zou zoiets zijn geweest dat een verzamelaar zou hebben gehouden als een kleinere kastruimte die echt bedoeld was om van dichtbij te kijken, en dus natuurlijk beloont het dat soort van dichtbij kijken.  Nicolas Poussin, Doodsangst in de tuin (verso), ca. 1626-1627. Op de keerzijde van het schilderij staat een Latijns opschrift, "SALVATORIS IN HORTO GETSEMA / NI A NICOLAO POVSSIN COLORIBVS / EXPRESSA", dat overeenkomt met hoe het werk zou zijn geïnventariseerd bij het betreden van de collectie Carlo Antonio dal Pozzo, de broer van Cassiano dal Pozzo, die uiteindelijk Poussins grootste beschermheer in Rome zou worden. Doodsangst in de hof beeldt de nieuwtestamentische scène af waarin Jezus, na het laatste avondmaal, met de heiligen Petrus, Jacobus en Johannes naar de hof van Getsemane gaat. Zijn apostelen vallen prompt in slaap, zoals op de voorgrond te zien is, terwijl Jezus tot God de Vader bidt en vraagt of hij gespaard mag worden van zijn komende dood en later om kracht in wat komen gaat. Als reactie daarop daalt een vloed van engelen naar de aarde en brengen het kruis voort dat Jezus zal dragen en vervolgens tot de volgende dag zal worden gekruisigd. Aan deze compositie voegt Poussin een blokvormige stenen architecturale structuur toe die nog moet worden geïdentificeerd, maar die mogelijk zou kunnen verwijzen naar de oprichting van de kerk na Jezus' dood. De scène wordt meestal gedaan in een roodachtig oker palet dat wordt geaccentueerd met kleuraccenten in de kleding van de figuren. "Wat geweldig is aan dit werk, is dat je Poussin nog steeds zijn eigen gedachten ziet uitwerken over het kleur-versus-lijndebat," zei Pullin. “Er is nog steeds een echte erfenis van de Venetiaanse schilderkunst in het licht en de bediening in bepaalde delen, maar dan zijn er deze zware sculpturale, klassieke referenties met de figuren op de voorgrond en de architectuur en de achtergrond. Hij is het nog aan het uitzoeken." Landau noemde Poussin een 'goddelijke kunstenaar' en voegde eraan toe: 'De emotionele en artistieke onderbouwing van religieuze schilderijen is wat telt. Als ze met glans worden gedaan, kunnen religieuze schilderijen ons allemaal raken." De Landaus begonnen in de jaren zeventig met verzamelen, te beginnen met Amerikaanse modernisten, waaronder Arthur Dove, Milton Avery, Stuart Davis en Marsden Hartley. In de jaren '80 breidden ze hun interesse uit naar pre-impressionistische Franse kunstenaars zoals Courbet, Corot, Delacroix en Millet, en in de jaren '90 kwamen ze eindelijk tot schilderijen van oude meesters en beeldhouwkunst uit de Renaissance. Rond deze tijd raakten de Landaus bevriend met George Goldner, een curator bij de Met. In de loop der jaren "vroeg Goldner me op een dag of ik geïnteresseerd was in het zien van het mooiste schilderij dat in New York City te koop was", herinnert Jon zich. Samen gingen ze naar de beroemde galerie Wildenstein & Co. in New York, waar ze Poussins The Agony in the Garden zagen. "We vonden het een van de mooiste schilderijen die we ooit hadden gezien en maakten al snel afspraken om het te verwerven," voegde Jon eraan toe. Hoewel de Landaus op een gegeven moment twee werken van Poussin bezaten, scheidden ze uiteindelijk van het andere werk en hebben ze sindsdien hun toewijding verdubbeld om renaissance-sculptuur te kopen. Poussins doodsangst in de tuin, een werk van barokke kunst, 'werd een uitschieter in de collectie', zei Jon. Zoals met de meeste topverzamelaars, hebben de Landaus al tientallen jaren een voortdurende relatie met de Met. Ze hebben in de loop der jaren stukken uit hun collectie aan het museum uitgeleend, in commissies gezeten en een ander werk beloofd, Théodore Rousseau's Hamlet in de Auvergne (1830) , in 2020. "The Metropolitan is onze belangrijkste leraar van allemaal geweest", zei Jon. "Ontelbare medewerkers hebben op alle mogelijke manieren contact met ons opgenomen om onze kennis en ervaring van grote kunst te vergroten." Onder hen is Keith Christiansen, de voormalige voorzitters van de afdeling Europese schilderkunst van de Met, ter ere van wie de Landaus het werk schonk. "Keith Christiansen, heeft ons meer dan wie dan ook over kunst geleerd", zei Jon. "We beschouwen de Met als ons tweede thuis en de grootste artistieke instelling van het land." Pullins voegde toe: "Als curator verwacht je niet echt dat je op de deur wordt geklopt met het toevoegen van een Poussin – het is nogal een groot probleem."

Met Museum ontvangt zeldzame Poussin-schilderij van topverzamelaars Door de eeuwen heen doorgegeven, gekocht en verkocht, is een blits verzamelobject uit de 17e eeuw eindelijk in de museumcollectie terechtgekomen. Het Metropolitan Museum of Art in New York heeft Nicolas Poussin 's Agony in the Garden (1626-1627) ontvangen, met dank aan de New Yorkse verzamelaars Barbara en Jon Landau , die sinds 1995 elk jaar op de Top 200 Collectors-lijst van ARTnews staan. The Met bezit al zes Poussin-schilderijen, waaronder Midas Washing at the Source of the Pactolus (ca. 1627), dat deel uitmaakte van de oorspronkelijke aankoop van zaden waarmee het museum in 1871 werd opgericht. Nu heeft het zeven schilderijen van de kunstenaar met de toevoeging van Agony in the Garden, dat vandaag te zien is. De Landaus hebben de afgelopen 22 jaar Agony in the Garden in bezit gehad en het heeft sindsdien een prominente plaats ingenomen in de 'galerij in de middelste hal met vier van onze grootste meesterwerken', zei Jon in een e-mail. Ze hebben het werk recentelijk uitgeleend aan de tentoonstelling 'Poussin and God' van het Louvre in 2015. Hij vervolgde: "The Met had al de grootste groep Poussins in Noord-Amerika, en onze foto voegt echt iets toe aan de verzameling van de artiest en verbetert deze." "Poussin is deze titaan van de Europese kunst, ook al is hij voor sommige mensen niet per se een begrip", zegt David Pullins, associate curator bij de afdeling Europese schilderkunst van de Met. "Een van de redenen dat hij zo belangrijk is, is dat hij cruciaal is in het kleur-versus-lijndebat dat de Europese kunstproductie en kunsttheorie eeuwenlang zal domineren." Dit werk is bijzonder ongebruikelijk binnen het oeuvre van Poussin, aangezien het een van de slechts twee geaccepteerde werken van de kunstenaar is met olie op koper (in tegenstelling tot olie op doek). Agony in the Garden, met afmetingen van iets meer dan 24 inch bij 19 inch en slechts één millimeter dik, werd gemaakt kort nadat de Franse schilder in 1624 in Rome aankwam. Daar studeerde hij Italiaanse renaissanceschilderkunst en nieuwe archeologische ontdekkingen van Grieks-Romeinse oudheden. Destijds was Poussin grotendeels onbekend, aangezien hij nog maar net was begonnen met het leggen van de connecties die nodig waren om een grote aanhang te verzekeren. Hij had iets nodig om de aandacht op te vestigen, dus kocht hij een grote plaat koper, wat in die tijd een duur materiaal zou zijn geweest voor een jonge kunstenaar. Gewoonlijk zou koper zijn gebruikt om een ets te maken, en omdat men afdrukken kon maken met het koper als plaat, zou dat een kunstenaar helpen de kosten terug te verdienen die voor een vel ervan waren betaald. "Dit medium van olie op koper werd in het 17e-eeuwse Europa altijd gezien als een echt collectorsitem, een luxeobject – het verhoogde de lat", zei Pullins. “Het is vanaf het begin een blits object dat de aandacht op zichzelf vestigt. Het zou zoiets zijn geweest dat een verzamelaar zou hebben gehouden als een kleinere kastruimte die echt bedoeld was om van dichtbij te kijken, en dus natuurlijk beloont het dat soort van dichtbij kijken. Nicolas Poussin, Doodsangst in de tuin (verso), ca. 1626-1627. Op de keerzijde van het schilderij staat een Latijns opschrift, "SALVATORIS IN HORTO GETSEMA / NI A NICOLAO POVSSIN COLORIBVS / EXPRESSA", dat overeenkomt met hoe het werk zou zijn geïnventariseerd bij het betreden van de collectie Carlo Antonio dal Pozzo, de broer van Cassiano dal Pozzo, die uiteindelijk Poussins grootste beschermheer in Rome zou worden. Doodsangst in de hof beeldt de nieuwtestamentische scène af waarin Jezus, na het laatste avondmaal, met de heiligen Petrus, Jacobus en Johannes naar de hof van Getsemane gaat. Zijn apostelen vallen prompt in slaap, zoals op de voorgrond te zien is, terwijl Jezus tot God de Vader bidt en vraagt of hij gespaard mag worden van zijn komende dood en later om kracht in wat komen gaat. Als reactie daarop daalt een vloed van engelen naar de aarde en brengen het kruis voort dat Jezus zal dragen en vervolgens tot de volgende dag zal worden gekruisigd. Aan deze compositie voegt Poussin een blokvormige stenen architecturale structuur toe die nog moet worden geïdentificeerd, maar die mogelijk zou kunnen verwijzen naar de oprichting van de kerk na Jezus' dood. De scène wordt meestal gedaan in een roodachtig oker palet dat wordt geaccentueerd met kleuraccenten in de kleding van de figuren. "Wat geweldig is aan dit werk, is dat je Poussin nog steeds zijn eigen gedachten ziet uitwerken over het kleur-versus-lijndebat," zei Pullin. “Er is nog steeds een echte erfenis van de Venetiaanse schilderkunst in het licht en de bediening in bepaalde delen, maar dan zijn er deze zware sculpturale, klassieke referenties met de figuren op de voorgrond en de architectuur en de achtergrond. Hij is het nog aan het uitzoeken." Landau noemde Poussin een 'goddelijke kunstenaar' en voegde eraan toe: 'De emotionele en artistieke onderbouwing van religieuze schilderijen is wat telt. Als ze met glans worden gedaan, kunnen religieuze schilderijen ons allemaal raken." De Landaus begonnen in de jaren zeventig met verzamelen, te beginnen met Amerikaanse modernisten, waaronder Arthur Dove, Milton Avery, Stuart Davis en Marsden Hartley. In de jaren '80 breidden ze hun interesse uit naar pre-impressionistische Franse kunstenaars zoals Courbet, Corot, Delacroix en Millet, en in de jaren '90 kwamen ze eindelijk tot schilderijen van oude meesters en beeldhouwkunst uit de Renaissance. Rond deze tijd raakten de Landaus bevriend met George Goldner, een curator bij de Met. In de loop der jaren "vroeg Goldner me op een dag of ik geïnteresseerd was in het zien van het mooiste schilderij dat in New York City te koop was", herinnert Jon zich. Samen gingen ze naar de beroemde galerie Wildenstein & Co. in New York, waar ze Poussins The Agony in the Garden zagen. "We vonden het een van de mooiste schilderijen die we ooit hadden gezien en maakten al snel afspraken om het te verwerven," voegde Jon eraan toe. Hoewel de Landaus op een gegeven moment twee werken van Poussin bezaten, scheidden ze uiteindelijk van het andere werk en hebben ze sindsdien hun toewijding verdubbeld om renaissance-sculptuur te kopen. Poussins doodsangst in de tuin, een werk van barokke kunst, 'werd een uitschieter in de collectie', zei Jon. Zoals met de meeste topverzamelaars, hebben de Landaus al tientallen jaren een voortdurende relatie met de Met. Ze hebben in de loop der jaren stukken uit hun collectie aan het museum uitgeleend, in commissies gezeten en een ander werk beloofd, Théodore Rousseau's Hamlet in de Auvergne (1830) , in 2020. "The Metropolitan is onze belangrijkste leraar van allemaal geweest", zei Jon. "Ontelbare medewerkers hebben op alle mogelijke manieren contact met ons opgenomen om onze kennis en ervaring van grote kunst te vergroten." Onder hen is Keith Christiansen, de voormalige voorzitters van de afdeling Europese schilderkunst van de Met, ter ere van wie de Landaus het werk schonk. "Keith Christiansen, heeft ons meer dan wie dan ook over kunst geleerd", zei Jon. "We beschouwen de Met als ons tweede thuis en de grootste artistieke instelling van het land." Pullins voegde toe: "Als curator verwacht je niet echt dat je op de deur wordt geklopt met het toevoegen van een Poussin – het is nogal een groot probleem."

%d bloggers liken dit: